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Seit 2021 begeistert das in Brighton ansässige Gypsy-Jazz-Trio sein Publikum.
Ihre Kombination aus dreistimmigem Gesang, einem riesigen Repertoire, das sich aus vielen Epochen und Genres des 20. Jahrhunderts speist, virtuosem Gitarrenspiel, mitreißender Bühnenpräsenz und unbändiger Spielfreude hat ihnen nicht nur in der eher konservativen Jazzwelt, sondern auch darüber hinaus ein breites Publikum begeistert – unabhängig von Alter und Musikgeschmack.
Bei den mitreißenden, unterhaltsamen und energiegeladenen Auftritten der Django Chutneys findet jeder etwas, das ihm gefällt.
Ihre ansteckende Spielfreude – ob Jazz, Blues, Folk oder Black Sabbath – hat das Trio zu einer ununterbrochenen Tournee durch Festivals, Pubs und Jazzclubs in ganz Großbritannien geführt.
Seit der Gründung von Tierra Negra im Jahr 1997, können die beiden Gitarristen Raughi Ebert und Leo Henrichs auf eine aussergewöhnliche internationale Karriere zurückblicken. Ihr erstes Konzert fand gleich in Montreal, Kanada, statt â€" und zog unmittelbar einen Plattenvertrag mit dem grössten kanadischen Indie-Label nach sich.
Der internationale Erfolg ihrer Musik brachte Konzerte in vielen verschiedenen Ländern mit sich. Tierra Negra gastierte auf den bedeutendsten Gitarrenfestivals der USA und gab Master Class Workshops an den Universitäten in Chicago, Peoria, Malibu und der Los Angeles Music Academy. Zusammen mit der aus Nashville stammenden Gitarristin Muriel Anderson tourten sie sechzehn Mal durch insgesamt dreißig Bundesstaaten der USA.
Auch nach Asien brachte sie ihre Musik. So zum Beispiel auf das "International Fingerstyle Guitar Festival" in der renommierten Oriental Music Hall in Shanghai, nach Singapur und Seoul in Südkorea.
Inzwischen hat Tierra Negra insgesamt fünfzehn CDs veröffentlicht. Auskopplungen ihrer Kompositionen sind auf allen relevanten Gitarren-Compilations erschienen. Sie schufen Film- und Fernsehmusik für das öffentlich rechtliche Fernsehen in Deutschland. Ihre beiden, bei Truefire Inc. als DVD und Abostream erschienenen Lehrwerke "New World Flamenco" und „Magic Gypsy Chords & Rhythms“, wurden dort zu Bestsellern.
Im Frühjahr 2001 stellte Tierra Negra auf der Internationalen Frankfurter Musikmesse erstmals die „Tierra Negra Gitarre“ vor, die noch im selben Jahr in den Fachhandel kam. Seit 2005 treten die GIPSY KINGS exklusiv mit diesen, von Tierra Negra selbst entworfenen Gitarren, auf. Erst kürzlich hatte im April 2018 das neue Tierra Negra Gitarrenmodel "Campfire" seine Handelspremiere auf der Musikmesse Frankfurt.
Tierra Negra arbeitete auf der Bühne und im Studio zusammen mit Klaus Hoffmann, Muriel Anderson, Victor Wooten, Stanley Jordan, Jack Pearson, Vince Gil, James Burton, Mark Egan, Stu Hamm, Danny Gottlieb, Paul Wertico, Bernie Dressel, Bob Brozman, Phil Keaggy, Laurence Juber, Peppino D`Agostino, Benny Chong, Don Alder, Ganesh Anandan, Beth Nielsen Chapman, DJ Ram, Ramasutra, Peter Bursch, Raphael Marionneau, Ramon Zenker, Andry Nalin. Filmaufnahmen mit den Gipsy Kings brachten sie in die Londoner Abbey Road Studios.
Es ist gleißend heller Hochsommer, als der dreizehnjährige Patch entführt wird. Für seine beste Freundin Saint bricht an diesem Tag die Welt zusammen. Sie isst, schläft und atmet nur noch, um ihn zu finden und nach Hause zu holen.
Patch verbringt unendliche Stunden allein in einem stockdunklen Raum. Bis er eine Hand in seiner fühlt. Das Mädchen sagt, es heiße Grace, und es holt Patch aus dem Dunkel, indem es die Welt mit seinen Worten malt.
Patch wird schließlich befreit, doch nicht erlöst. Denn niemand glaubt ihm, dass es Grace wirklich gab. Er will sie um jeden Preis finden und das Verbrechen sühnen, das ihn nicht loslässt. Auch Saint sucht den Täter und die Wahrheit, aber mit ganz anderen Mitteln als Patch. Selbst wenn das bedeutet, dass sie ihn für immer verlieren könnte.
Die Geschichte von Saint und Patch ist eine grandiose Odyssee, die den großen Bogen über mehrere Jahrzehnte und quer durch die Vereinigten Staaten spannt. Ein unvergesslich intensiver Roman über die Unausweichlichkeit des Schicksals und die Bedingungslosigkeit der Liebe. Chris Whitaker erzählt mit großer Wucht und unendlicher Einfühlsamkeit von zwei unvergesslichen Helden auf einer Reise um Leben und Tod.
Kiwi-Dream-Folk-Künstler
"Ganz, Ganz Toll!" - YouFM Frankfurt
"Hochemotionalen" - Süddeutsche Zeitung
"...lediglich seine Gitarre und Songs, die nur so vor positiver Energie strotzten" - RP Online
"Seine Liebe zur Musik ist nicht nur vom ersten Lied an zu spüren, sie steckt an." - Merkur
Wenn dir die Musik von SYML, Vance Joy und George Ezra gefällt, wirst du sicher auch Mathew James White zu schätzen wissen. Der gebürtige Neuseeländer und mittlerweile seit Jahren in Deutschland ansässige Musiker wird aufgrund seines Repertoires voller eingängiger Melodien oft mit den genannten Größen des Musikbusiness verglichen.
Bekannt für seine emotional aufbauenden Kompositionen, die gleichzeitig beruhigend und stimmungshebend wirken, ist seine Musik – am besten als "Kiwi Dream Folk" beschrieben – unter anderem auf Netflix und MTV (UK) zu hören. Er befindet sich regelmäßig auf Europa-Tour und hat dabei über die Jahre eine starke und stetig wachsende Fangemeinde aufgebaut – oft spielt er vor ausverkauftem Haus. Ein Karriere-Highlight war sein Auftritt beim Blue Balls Festival 2017 in Luzern, wo er neben Stars wie David Gray, Peter Doherty und José González auftrat.
Während er weiterhin mit Begeisterung auf Tour geht, fokussiert er sich gleichzeitig auf das Schreiben und Komponieren für Fernsehen. Dies führte dazu, dass sein jüngster Song "Only The Light" - eine Alt-Pop-Hymne - in der US-amerikanischen Netflix-Miniserie "From Scratch" platziert wurde.
Bis heute hat er acht Alben veröffentlicht, drei davon exklusiv auf seiner Homepage - "We're Home Now (2023)," "Getting Through This With Positive Sounds (Bonus Special Edition)" (2021) und "Old and New" (2019). Sein viertes Album, "I'm Thinking of You" (2017), ist sein bisher persönlichstes Werk, das stark vom Verlust seines ersten Sohnes im Jahr 2014 beeinflusst wurde.
Drei Jahrzehnte nach dem 25. April 1974, dem Tag der portugiesischen Revolution, soll die in den USA lebende Ich-Erzählerin Ana Maria Machado, Tochter eines linken portugiesischen Journalisten, für die CNN eine Fernsehreportage über die sogenannte »Nelkenrevolution« machen. Die junge Generation Portugals will eigentlich nichts mehr wissen von dieser Vergangenheit und sieht die »Helden« der Revolution eher als Verräter an ihren eigenen Idealen. Doch dies ändert sich für Ana Maria und zwei ihrer ehemaligen Kommilitonen, als sie sich gemeinsam an die Reportage für die CNN begeben.
Ein hypnotischer Roman. Diese Frau verdient es ebenso wie der Mosambikaner Mia Couto, die zweite portugiesisch sprachige Stimme zu sein, die mit dem Nobelpreis für Literatur ausgezeichnet wird. (Le Figaro)
LÍDIA JORGE, geboren 1946 in Boliqueime im Süden Portugals studierte französische Literatur in Lissabon und ver- brachte einige Jahre damit, während des Unabhängigkeitskampfes in Angola und Mosambik zu unterrichten. Sie lebt heute in Lissabon. Mit ihren ersten beiden Romanen gehörte sie zur Avantgarde der zeitgenössischen portugiesischen Literatur und hat seitdem zahlreiche renommierte Auszeichnungen für ihre Arbeit erhalten. 2021 nahm Lídia Jorge eine Professur an der Universität Genf an, auf die 2022 die Einrichtung des Lídia-Jorge-Lehrstuhls an der University of Massachusetts Amherst folgte.
Ihr Roman Erbarmen wurde mit sechs renommierten Preisen ausgezeichnet, darunter der Médicis étranger 2023 und der Transfuge Prize for the Best Lusophone Novel 2023. Ihre Romane in deutscher Übersetzung waren bislang im Suhrkamp Verlag erschienen.
Lídia Jorge – Die Stunden der Nelken
Autorenlesung und Gespräch
Moderation: Christian Ruzicska (Verleger)
Es ist nicht einfach, die schier endlose Mischung verschmelzender Einflüsse im Spiel dieses erstaunlichen Streichmeisters zu beschreiben ... Er bewegt sich von einem klassischen Anfang mit
fast höflicher Musik über den Kontinent bis zum Blues des Mississippi-Deltas, von den Balearen bis zum Balkan, und dann zurück in die Vereinigten Staaten. Ein spanischer Blues entwickelt sich zu
Zigeunermusik, reist nach Osteuropa, mit einem Schuss Paco de Lucia, dann einem Hauch Delta-Melodien und mehr. Auch Einflüsse von Richie Blackmore, Joaquin Rodrigo, J. J. Cale und sogar J.
S. Bach sprechen für sich. Claude Bourbon hat ein tadelloses Timing und schafft auf sechs Saiten Dinge, die einfach erstaunlich sind. Erleben Sie eine atemberaubende akustische Fusion aus Blues,
Jazz, Folk, Klassik und spanischer Gitarre.
Claude Bourbon beschreibt sich selbst treffend als Musikkünstler.
"Er nutzt eine Vielzahl von Musikinstrumenten, um eine Landschaft zu malen, die wir alle entweder persönlich oder in unseren Träumen besucht haben." Mary Pat Cooney – FolkWorks "
"Eine atemberaubende akustische Fusion aus Blues, Jazz, klassischer und spanischer Gitarre von einem atemberaubenden Gitarrenvirtuosen…" Altadena News, USA
"Irgendwann nimmt mir jemand Blut ab. Ich liege einfach nur da und bin froh, dass ich atmen kann. In meinem Kopf denke ich, gleich kommt jemand rein und sagt: "Sie haben eine dicke Lungenentzündung, wir bringen Sie jetzt auf die Siebte und dann bleiben Sie ein paar Tage zur Beobachtung hier.” In drei Tagen bin ich hier wieder raus.
Aber nein, der "Soldat” kommt rein und sagt: "Es sieht nicht gut aus. Die Ärztin wird Ihnen das gleich erklären.” Der Soldat ist komischerweise etwas netter zu mir und ihre Körpersprache hat sich verändert.
Dann steht eine Frau vor mir und stellt sich als die Ärztin vor, die mir das jetzt alles erklärt. Das Fachgebiet, das sie hinter ihren – mir in diesem Moment viel zu langen – Namen anhängt, habe ich noch nie gehört. Zumindest dringt es nicht in mein Gehirn. Sie guckt mich schief an und atmet so schwer wie Ritze eben, aber freundlicher. Sie sagt: "Ich sage es Ihnen jetzt ganz unverblümt – Sie haben Leukämie. Sehr schwer. So schwer, dass wir Sie hier nicht behandeln können, wir bringen Sie jetzt sofort in eine andere Klinik.” Ich schlucke irgendetwas ganz Schweres runter und nicke nur. "
Ich bin am 11. September 1976 geboren und lebe im Rheinland – genau zwischen urbanem Trubel und ländlicher Ruhe. Seit mehr als drei Jahrzehnten bin ich in der Werbebranche zuhause und habe dort gelernt, wie man Geschichten so erzählt, dass sie im Kopf bleiben. Am liebsten schreibe ich aber so, wie es gerade aus meinem Kopf kommt: direkt, laut und manchmal ein bisschen schräg.
Mein Debüt NOT MY DEADLINE entstand aus einer Geschichte, die ich mir niemals ausgesucht hätte, die ich aber mit Vertrauen, Ehrlichkeit und einer großen Portion Humor überlebt habe. Schreiben war für mich schon immer Therapie und Ventil, jetzt halt mit ISBN.
Wenn ich nicht schreibe, denke ich mir gern aus, wie das Leben noch so laufen könnte – ohne Deadlines.
Es ist wieder Harfenengelzeit – Zeit zum Träumen, Mitschwingen, Mitgrooven.
Klar, Weihnachtslieder gehören dazu, aber nur ein paar.
Ansonsten gibt es auch reichlich Überraschendes und Verblüffendes!
Kommet zuhauf und lasst euch verzaubern!
*
Ulla van Daelen gilt als Botschafterin der Harfe. Als Interpretin, Komponistin und Arrangeurin bewegt sie sich stilsicher zwischen Klassik, Jazz, Folk, Weltmusik und Pop.
Mit ihrer virtuosen Spielfreude und erfrischenden Moderation wird Harfenmusik zum Erlebnis!
Bereits mit fünf Jahren improvisiert Ulla van Daelen am Klavier, mit zehn gewinnt sie erste Preise beim Wettbewerb Jugend musiziert. Im Alter von zwölf Jahren entdeckt sie die Harfe und gewinnt sechs Jahre später ihren ersten Harfenwettbewerb. Nach Studium mit Auszeichnung folgen Stipendien, Engagements an führenden Opernhäusern und Konzertreisen in die USA und Japan. Soweit der "klassische” Werdegang.
Schließlich wird sie Solo-Harfenistin des WDR-Rundfunkorchesters, einem Klangkörper, der ein breit gefächertes Genre bedient und sich − wie Ulla van Daelen − in keine musikalische Schublade einordnen lässt.
Dort hat sie Gelegenheit, mit der WDR-Big Band und Stars der Jazz-Szene zusammen zu arbeiten, erhält aber auch zahlreiche Anregungen aus der Pop-, Folk– und Weltmusik.
Aus der Improvisation entwickelt Ulla van Daelen ihren unverwechselbaren Musikstil und beginnt, ihre Eigenkompositionen zu veröffentlichen.
Sie begleitet Schauspielerin Martina Gedeck, Ulrike Kriener, Nina Hoger, Elke Heidenreich und die Jungen Tenöre, macht Einspielungen für Wolfgang Niedecken und Manfred Krug, arbeitet mit Rock-Bands wie Queenkings und der chilenischen Kultband Illapu sowie mit Jazzgrößen wie Charlie Mariano, Joachim Kühn und mit dem Grammy nominierten Vince Mendoza.
Mehrfach tritt sie als Gastsolistin beim Schleswig-Holstein-Musikfestival auf und konzertiert und moderiert bei diversen Radiosendungen. Als Hauptact der CeBIT-Eröffnung 2005 wird Ulla van Daelen mit ihrer Musik live auf Phoenix-TV gesendet.
Sie ist mit eigenem Musikvideo-Clip monatelang auf ONYX-TV präsent und wird in einem Künstlerportrait der ARD als "kreative Ausnahme-Musikerin” vorgestellt. Das ZDF engagiert sie – in Zusammenarbeit mit dem Hörverlag – für die kompositorische Gestaltung der Hörbuch-Reihe "Märchenwelten”, gelesen von prominenten Fernsehstars.
Mittlerweile hat Ulla van Daelen das Orchester verlassen, um sich ganz ihren eigenen Projekten widmen zu können. Ihre Kompositionen und verblüffenden Arrangements von Barock bis Pop veröffentlicht Ulla van Daelen als Musik-Produzentin unter eigenem Label Van Daelen Music .
Tickets für diese Veranstaltung sind ausschließlich in der City-Buchhandlung Dormagen oder an der VVK-Kasse des Kammertheaters erhältlich.
Gutscheine des Kammertheaters können für diese Veranstaltung nicht eingelöst werden!
Zwei ausdrucksstarke Stimmen, eine Gitarre und Lieder, die Poesie mit Weltanschauung verbinden, mehr braucht es nicht, um die Seele eines Landes, eines Volkes zu erfassen.
Viel Gefühl und Ausdruckskraft legen beide in die Interpretationen ihrer Lieder, die tief eintauchen in das Leben und Fühlen Griechenlands und aus denen Freude und Leid, Leichtigkeit und Tiefe sprechen.
Die beiden lassen wortwörtlich für uns die Noten sprechen und entführen uns mit in die modernen Lieder des urbanen Griechenlands: die Empfindungswelt von Drogenkranken, Gefängnisinsassen, Ausgewanderten oder die Themen von Verlust des Partners, das Vergehen der Zeit.
Sofia und Pantelis aus Thessaloniki erzählen in ihren griechischen Balladen von den großen Gefühlen des Lebens, von Liebe, Sehnsucht, Trauer und Einsamkeit.
Aber auch poetische, märchenhafte Balladen und die uns sehr bekannten Lieder von Mikis Theodorakis, Manos Chatzidakis, Manos Loisos, Haris Alexiou, Nikos Kavadias, Vasilis Papakonstantinou, Kostas Hatzis, Eleftheria Arvanitaki und Neo Kima werden im Programm nicht fehlen.
Pantelis begleitet Sofia mit der Gitarre, sie interpretieren die Lieder teils gemeinsam, teils allein. Beide besitzen die Gabe, ganz im Text aufzugehen und diesen mit ihren warmen Stimmen aber auch einer klaren Diktion in den Vordergrund zu stellen.
Pantelis vermag mit seiner beeindruckenden, raumfüllenden und markanten Stimme den Zauber der Kompositionen zu entfachen, während Sofias klarer Sopran den Interpretationen intensiv-zärtliche
Stephen Burch ist ein englischer Songwriter, der derzeit in Deutschland lebt.
Nach seinem Kunststudium in Westengland zog er nach Irland, um auf dem abgelegenen Bauernhof seiner Familie zu leben und zu arbeiten. Während er darauf wartete, dass große Ölgemälde trockneten, begann er mit Akustikgitarren, dem Familienklavier, Scheunentoren, Besen und Ketten Musik zu machen. Lange Geschichten entstanden. Später zog er nach Deutschland, und bald waren seine lyrischen, erzählenden Lieder von den Feldern der Grafschaft Cork und den alten Straßen Berlins geprägt. Bilder von Verfolgung sind allgegenwärtig, Lieder von eiligen Reisen und der Suche nach Heimat – das verbindende Thema ist das schwere Drama im "Großen Park".
Stephen tourte durch Deutschland, die Niederlande, Griechenland, Finnland, Schweden, die Schweiz, Österreich, Polen, Belgien, Spanien, Portugal, Italien, Dänemark und Großbritannien. Er hat über 30 Alben auf seinem eigenen DIY-Label Woodland Recordings veröffentlicht, eine Kompilation des deutschen Labels Timezone, hat die Musik für mehrere Filme und Theaterstücke geliefert und seine Songs wurden auf Veröffentlichungen von Liz Green, Fee Reega, Kristin McClement, Squalloscope, Aaron Dall, The Sons of Noel And Adrian, Thirty Pounds of Bone und anderen gecovert.
Er mag Räume mit Echo, Zugfahrten, Straßenbahnen und Mädchen auf Fahrrädern.
"Ein kompromissloser Musiker, der mit bestätigtem Optimismus musiziert. Nicht, um davon zu leben, sondern, weil er dafür lebt." (Süddeutsche Zeitung)
"Dass die Folksongs nie ins Kitschige abdriften, hat auch mit Stephen Burchs Gesang zu tun, der alles andere als glatt ist. So zittrig, ja, brüchig kommt er oft daher, dass Conor Obersts Stil von den Bright Eyes dagegen schon fast geschliffen wirkt."
(Süddeutsche Zeitung)
"Ein Singer-Songwriter ist immer auch Poet. Und Burch ist ein ganz besonderer." (Süddeutsche Zeitung)
"Poesie, wie aus dem Leben gegriffen."
(Frankfurter Allgemeine Zeitung)
"Hier ist ein Poet, geboren am 1. Januar, am Tag, als Hank Williams und Townes Van Zandt starben, ein Standhafter, der das ganze verdammte Jahr an seinem Geburtstag noch vor sich hat, dann aber davonhetzt, sich versteckt und einen Song schreibt als Pfand für sein Unvermögen.”
(Loop, Zürich)
"The Great Park besitzt großes lyrisches Talent… Neben seiner empfindsamen Stimme ist dies wohl auch die besondere Qualität des Musikers, die ihn aus der großen grauen Masse der Singer-Songwriter-Szene hervorstechen lässt. " (Laxmag.de)
"Großes Songwriter-Kino" (Kieler Nachrichten)
"Keine überladene Musik, alles ist fein abgestimmt, schnörkellos und reduziert auf das Elementare, so dass nichts den Blick verfälscht." (Kieler Nachrichten)
"Vordergründig neuromantischer Folk mit doppeltem Boden." (blackmagazin.com)
